«Цифровое искусство не заканчивается на пикселях»: Стелла Лабужская о новых гранях современного творчества
Когда мы слышим «цифровое искусство», первое, что приходит в голову — NFT, пиксельные картинки и виртуальные галереи. Но технологии проникают в искусство куда глубже и неожиданнее, чем может показаться на первый взгляд. Художники экспериментируют с генетическими кодами, превращают биометрические данные в скульптуры, создают интерактивные инсталляции, реагирующие на эмоции зрителей. О том, как стираются границы между цифровым и физическим в современном искусстве, мы поговорили со Стеллой Лабужской — человеком, который стоит у истоков этих изменений в России.
Создательница первой российской мета-галереи SAS Metagallery, куратор проектов на стыке науки и искусства, Стелла работает с художниками, которые не боятся экспериментов. В этом интервью Стелла рассказывает о самых неожиданных способах использования технологий в современном искусстве, делится историями художников, которые переосмысливают традиционные формы творчества, и размышляет о том, как меняется восприятие искусства в эпоху глобальной цифровизации.
— Стелла, вы стоите у истоков развития Web 3.0 в российском искусстве. Как изменилось ваше понимание цифрового искусства за эти годы?
За последние годы изменилось не только моё понимание цифрового искусства, но и сама его природа. Раньше это был довольно узкий сегмент — пиксель-арт, компьютерная графика, цифровая фотография. А одной из насущных проблем заключалась в невозможности защитить авторство: художники записывали свои работы на флешки, пытаясь хоть как-то контролировать распространение произведений.
С появлением Web3 ситуация кардинально изменилась. Блокчейн и токенизация решили вопрос с правами собственности, появился прозрачный вторичный рынок. Но что еще важнее — расширились границы самого цифрового искусства. Нейронные сети создали новый формат — AI-арт, а художники начали экспериментировать с гибридными формами, соединяя, например, фотографию, искусственный интеллект и музыку в одном произведении. Мы наблюдаем удивительный симбиоз разных видов искусства, который был невозможен раньше.
— Вы создали первую в России метагалерею. Расскажите, как физические галереи реагируют на цифровую трансформацию?
Ситуация заметно изменилась за последнее время. Если раньше традиционные галереи относились к цифровому искусству настороженно или даже негативно, то сегодня мы видим совсем другую картину. Крупные галереи не просто принимают цифровое искусство — они начинают интересоваться его возможностями.
Конечно, российский арт-рынок меняется медленнее, чем зарубежный. Но я уверена, что в ближайшие 2-3 года мы увидим серьезные изменения. Традиционные галереи не только признают цифровое искусство равноценным физическому, но и сами начнут активно использовать новые технологии. Это неизбежно: новое поколение зрителей и коллекционеров живет в цифровой реальности. Более того, я предполагаю, что в перспективе цифровое искусство может даже превзойти традиционное по рыночным показателям.
— Как современные художники используют технологии в своем творческом процессе?
Очень по-разному. Самый распространенный инструмент — это, конечно, искусственный интеллект. Причем одни используют AI только как помощника для создания набросков или генерации новых идей, другие полностью погружаются в AI-творчество, создавая работы целиком с помощью нейронных сетей.
Интересно, что технологии внедряют не только цифровые художники. Все больше традиционных авторов обращаются в том числе к NFT и токенизации — не для создания работ, а для защиты своих прав. Это помогает зафиксировать авторство, подтвердить оригинальность произведения и год его создания. По сути, технологии становятся не только инструментом творчества, но и способом защиты интеллектуальной собственности.
— Какие новые имена и подходы в современном искусстве вас особенно впечатлили в последнее время?
Работая с цифровыми художниками, я постоянно наблюдаю удивительные эксперименты в области новых технологий. Но знаете, цифровое искусство не заканчивается на пикселях — самые интересные вещи происходят там, где художники находят способ интегрировать цифровые инновации в традиционные форматы искусства. Когда скульптор, живописец или мастер прикладного искусства начинает экспериментировать с новыми технологиями — именно в этом симбиозе, на мой взгляд, скрыт потенциал действительно новых художественных форм.
Например, недавно я познакомилась с работами Эсмиры Маммедовой, художницы из Баку, которая совершенно по-новому переосмыслила традиционную технику работы с эпоксидной смолой. Меня поразило то, как органично она соединила классическое мастерство с современным мышлением. Она разработала уникальный метод, где каждое произведение становится своеобразной капсулой времени, хранящей личную историю человека. В её работах даты преобразуются в визуальные коды, напоминающие структуру ДНК, характер человека отражается в цветовых переходах, а важные события жизни застывают в эпоксидных слоях.
Эсмира не просто использует новые технологии — она мыслит категориями цифровой эпохи, превращая традиционное ремесло в искусство будущего. Её подход показывает, что настоящая инновация рождается не из слепого следования технологическим трендам, а из глубокого понимания того, как цифровое мышление может преобразить классические техники. Именно такие художники, способные найти гармонию между традицией и новаторством, определяют будущее искусства.
— Вы работаете с художником-киборгом Нилом Харбиссоном. Как его опыт меняет наше представление о возможностях искусства?
Художники-киборги — это совершенно новый феномен. Они не просто создают картины или скульптуры — они трансформируют собственное восприятие мира через технологии.
Например, Нил Харбиссон от рождения не различал цвета, но благодаря антенне, вживленной в череп, научился их слышать. Это не просто технологическое решение — это новый способ восприятия реальности. Когда он создает свои работы, например, в проекте о городах, он сначала «слушает» цветовую гамму того города, в который приезжает, с помощью антенны, определяет доминирующие оттенки через звук, а затем трансформирует это восприятие в цифровые произведения.
Такой опыт заставляет нас переосмыслить не только границы искусства, но и возможности человеческого восприятия и чувств. Художники-киборги показывают нам, как можно видеть привычный мир через призму слияния биологического и технологического. Это уже новый способ осмысления реальности.
— Расскажите о вашем проекте VozDooh — как публичные пространства становятся новыми площадками для искусства?
Цифровое искусство по своей природе не знает границ — ни временных, ни пространственных. В отличие от традиционного искусства, где нужно ехать в конкретный музей, чтобы увидеть оригинал картины или мозаики, цифровое искусство может существовать везде. Но при этом ему нужен масштаб, зрелищность — только тогда оно может по-настоящему раскрыть свою мощь.
Именно поэтому мы с компанией RGB Graphics придумали проект VozDooh — первый в России музей на городском фасаде. Это не просто медиаэкран — это новое выставочное пространство, где каждые пять минут демонстрируются работы цифровых художников. По сути, мы предлагаем новый взгляд на то, каким может быть музей.
Этот проект стал своеобразным манифестом: мы показываем, что искусство может быть доступным, что оно может существовать в городском пространстве, быть частью города и повседневной жизни. Люди, которые никогда не ходят в галереи современного искусства, теперь могут увидеть его прямо на улице и почувствовать всю красоту и силу цифрового творчества.
— Как вы видите развитие арт-рынка в ближайшие 5-10 лет? Какие формы искусства будут наиболее востребованы?
В ближайшие 5-10 лет арт-рынок ждут революционные изменения. Во-первых, благодаря блокчейну рынок искусства станет более прозрачным — и не только цифрового, но и традиционного. Коллекционеры смогут видеть всю историю транзакций каждого произведения, его реальную рыночную стоимость и провенанс. Это полностью изменит подход к оценке и приобретению искусства.
Что касается самих форм искусства, то будущее за интерактивностью. Мы увидим произведения, которые будут взаимодействовать со зрителем, реагировать на его эмоции и физическое состояние. Представьте скульптуру, которая может считывать ваше настроение и трансформироваться, чтобы оказать определенное эмоциональное или даже физиологическое воздействие. Это уже новый уровень взаимодействия между произведением и зрителем. Когда не искусство влияет на зрителя в одностороннем порядке, а происходит диалог, благодаря которому трансформируются оба.
Цифровое искусство однозначно станет мейнстримом, но самыми востребованными будут именно те формы, которые смогут создать по-настоящему глубокий, персонализированный опыт взаимодействия со зрителем.
